CRÍTICA DE ABRIL. ESTHER MORALES

Hola,

después de algún  desajuste de nuevo volvemos a tener la crítica de Eva Magallanes , en la fecha que toca. Para el mes de abril Eva ha seleccionado para su trabajo la obra de Esther Morales Sánchez, acuarela sobre papel de 25 x 25 cm .

Estas críticas pueden ser libremente usadas por el autor de la obra, incluirlas en su currículo, web, blog,… o publicitarlas como considere oportuno. Se solicita que siempre se indique la autoría de Eva Magallanes y a ser posible sin son publicadas en internet, sean enlazadas con su blog, http://www.lacalarealidadyficcion.blogspot.com/

Eva Magallanes:

“Pasar de la fotografía a un texto como ente convocante para la creación pictórica, me ha parecido Una Idea formidable en tanto aporta aún más dinamismo a este proyecto que, efectivamente y cada vez más, nos entrega Mucho Arte. Imagino que pintores y pintoras han de posicionar su espíritu creativo desde una plataforma distinta para interconectarse con la palabra; ya no las imágenes que les son propias, si no un extracto literario que describe y narra. Y, precisamente, es el lugar -y desde allí, la mirada y el aspecto del decir dado que se revela- lo que me parece distingue a la interpretación que de lo escrito ha realizado Esther Morales. 

La imagen pregnante que la narración genera es ese islote imponente y fúnebre que de súbito aparece inmerso en un paisaje brumoso y desolador. Dicha descripción no está en la acuarela de Esther en tanto panorama de la naturaleza, está de otro modo: haciendo visible al narrador-personaje y, junto a él la posibilidad de ser nosotros mismos quienes estemos -en medio del mar- ante aquella lumínica y amenazante aparición. Es en esta negación de la literalidad del texto, por ende, en la afirmación de su correlato, su entrelinea emocional; es decir, más en lo que calla, más en lo que late que en lo que abiertamente dice; en este caso:  la interioridad de quién se enfrenta al roquerío y su páramo; donde se plasma esta figura femenina que aúna simpleza y fuerza. Un dibujo con ciertos rasgos del comics y que con escasos recursos logra gran expresividad. Pero no se trata de una expresión vehemente o efusiva, por el contrario, en ella la exteriorización es centrípeta, contenida, sujeta.

El pelo es el elemento más trabajado en la obra, una frondosa y pródiga cabellera que remite justamente a dicha naturaleza "ausente- omnipresente": oleaje, cumbres, puntas rocosas y el signo enfático de la luna que parece ir rodando hacia el día que amanece. Una marca que, por lo demás, apela a la "clásica" alianza entre aquel satélite cósmico y lo femenino. De este modo, Esther nos sugiere una tenue metamorfosis, un transcurrir que recién comienza desde esa existencia humana hacia el  paisaje de Tokland y que ya se manifiesta en otras partes del cuerpo: la mano que pasa a ser raíz o yermo árbol. Fetal, la figura pareciera estar esperando que las fuerzas impetuosas de la escena que la rodea, se la traguen por completo. Hay aquí, desde la mera interpretación de esta observadora, un pujante símbolo de encuentro con la muerte, palabra explícita en el párrafo que nos ha convocado: fundirse, mutar, transfigurar. Ello no está exento del miedo y del asombro, evidentes en el rostro y en la posición corporal de la mujer.  

Y así, como en esta obra la forma es la antítesis o la antípoda de lo detallado en las palabras, se reitera esta condición en función de la técnica y del color. Una opción estética y simbólica podría haber sido remitir cromáticamente sobre el cuerpo femenino lo expuesto en el párrafo. Que en él hubiesen estado los matices de la roca, del océano, de la baldía vegetación; sin embargo la artista opta por el camino contrario: el color también se ausenta, el pigmento de la acuarela es arrasado por el agua llevándose los colores... entonces también allí... la inmensidad devastadora que la rodea; nuevamente aquella denegación que hace surgir los significados de manera no textual. El blanco del papel se arraiga fuertemente y la alba bruma del paisaje se apodera del cuerpo. Si bien la palabra le convoca, la pintura se resiste a ser palabra, la artista busca lo puramente plástico y el efecto final es una tonalidad de un limpio gris a penas intervenida por leves matices rosas-violetas, el amanecer que se perfila tras la oscuridad de la noche. Color interno también, que puede referirnos al estado psicológico de esta protagonista. Hay temor en el rostro, en los ojos, en la postura; mas, esta coloración purgada de color, bañada por el agua, puede ser significante de un alma purificada dispuesta a aceptar la llegada de la muerte.

En el costado izquierdo del plano, podemos observar como el juego del contorno del dibujo con el fondo, arma al imponente islote trasmutado aquí en una presencia mínima, leve, traslúcida. Precisamente, la pintora aprovecha muy bien la capacidad de iluminación de la acuarela y crea una atmósfera también antagónica a la estampada en las letras. El panorama en esta obra no es oscuro ni espeluznante, es esclarecedor y catártico y ella, una suerte de embrión rumbo a la transformación que la espera en aquellas costas a las cuales nadie quiere acercarse.

Esther Morales ha creado una obra coherente y cohesionada, es decir, todas sus partes y el trabajo  con cada elemento plástico utilizado, convergen en un mismo nudo central - formal y simbólico- que huyendo de lo literal-escrito, reafirma finalmente la sustancia del texto, pero invirtiéndolo, metaforizándolo desde un opuesto: la fragilidad y la levedad humanas son las que conducen a la imagen imponente y aterradora de Tokland: el subliminal y permanente acecho de la muerte en la travesía de la vida.

Nota: quisiera hacer mención a la propuesta enviada por Silvia Zaragoza pues me ha parecido atrayente la composición: el corte de la imagen completa como si el resto fragmentado saliese del propio espectador, esos pies en la proa y que presumen un escorzo, ese cuerpo abatido que no vemos pero sentimos en dirección inexorable hacia el temido lugar.!”