SANTI AGUIN, el primer UIMA + 25
Santi es nuestro primer autor que supera la barrera de las 25 participaciones, lo que le hace el ser el primer merecedor de esta distinción simbólica que suponer entrar en el club de los UIMA + 25 que esperamos que con el tiempo incluya a muchos más artistas que disfrutan de la participación en este blog y hacen que los demás disfrutemos de sus obras.
Santi Aguin, no solo es el artista que más veces ha participado, también el que lo ha hecho de forma más prolífica, a participado hasta la fecha en 25 certámenes y ha presentado un total de 52 obras, lo que supone una media de más de dos obras por mes, en los meses que ha participado.
Precisamente por esto por su presencia constante en el blog es un buen conocido de todos lo que entramos regularmente a contemplar los trabajos mostrados, también es un habitual de los comentarios, con un lenguaje directo, que en alguna ocasión le ha provocado algún enfrentamiento, nos indica lo que encuentra bien y mal de cada trabajo, sin muchos ambages pero si cargado de sinceridad sobre su punto de vista, su forma de ver, con la que podemos estar o no de acuerdo pero que el defiende de forma espontanea y con mucha franqueza.
De su forma de trabajar podríamos destacar una manera personal de búsqueda tanto en el color como en la forma, luchando por innovar pero sin perder su propia personalidad y manteniendo siempre unos principios daríamos que clásicos en lo que es el planteamiento original de sus trabajos.
En las 52 obras que nos ha mostrado podemos encontrar todos los temas, tanto por seguir las propuestas, como por iniciativa propia en sus planteamientos, por destacar algo, diríamos que le gusta trabajar con el cuerpo femenino y también con la figura de animales, pero no siéndole ajeno ni el paisaje ni otras ideas siempre manteniendo un concepto figurativo en su concepción.
A continuación mostramos algunas de las obras que a nuestro entender le son mas representativas.
No queremos caer en el error de mostrarlas todas, pero os dejamos los enlaces para que podáis disfrutar de sus trabajos:
Estos son sus
blog personales en lo que muestra su obra:
Nuestra colaboradora y amiga Eva Magallanes en el mes de enero de 2010, dedicó una crítica a Santi por su participación en este mes que dejamos aquí
Manteniendo, sin mayores trasgresiones, las formas propuestas en la fotografía que sirve de base para esta experiencia, conservando por tanto los elementos y la estructura composicional que dicho paisaje ofrece, Santi Aguin lo re-hace desde la técnica que ocupa exprimiendo al máximo las posibilidades cromáticas y de refulgencia que el Gouache ofrece. De este modo, apreciamos una versión altisonante, tímbrica y resplandeciente… como si esa porción de naturaleza hubiese sido tocada por una mirada álgida y vibrante. La clave del trabajo, me parece, es la conversión de las luces y las sombras del paisaje natural, en Color, con los consiguientes efectos y dinámicas que de ello se desprenden. Un color que reverbera, un color que canta y danza y persigue ser el más importante protagonista de la escena.
La pequeña loma, al centro de la imagen, coronando la amplia perspectiva que se logra desde los primeros planos -ricos también en colorido y contrastes- se transforma en un foco de interés y adquiere notoriedad al interior de la pintura pues establece un punto de tensión que quiebra la gama predominante, instalándose desde una concepción fauvista, que considera al color como valor y significado en sí y concibe también a la sombra como una alternativa colorista.
Nótese que el amarillo-ocre es el único esbozo cálido existente en esta pintura. Los tonos fríos predominan completamente, tal y como en la imagen original. El agua, es otro elemento en el cual el pintor se detiene con libertad, realizando evidentes alteraciones iridiscentes que nos muestran las soluciones estéticas características del Gouache: brillantez, centelleo, esplendor. Sin que medie un pasaje paulatino de matices, el pintor genera una gradación intensa, un choque de tonalidades que le confiere una característica de estilo.
Los blancos se enfatizan adquiriendo un rol protagónico al permitir que los reflejos sean también toques de color sobre el papel. Los árboles del fondo también reciben un tratamiento que los realza dándoles mayor presencia en la imagen total. El azul violáceo los saca del anonimato, realzando sus formas y su presencia en la captación global de esta panorámica.
Las consecuencias de este fulgor colorístico no sólo se aprecian en los aspectos formales si no también, y fuertemente, en las sensaciones, contenidos y mensajes que la Obra pueda emitir; así, el artista nos hace transitar desde lo apacible y silencioso a lo excitado y resonante, desde el sosiego a lo embravecido, desde lo calmo a lo efervescente y lo bullente. El color emite también movimiento y sonoridad.
La percepción del espectador -en suma- muta completamente con la intromisión de estos tintes que Santi Aguin imprime, aunque estructuralmente la composición y las figuras se mantengan prácticamente intactas. La incidencia del color entonces, en tanto más que relleno de la forma, queda al descubierto y se experimenta claramente. En tal sentido, curiosa es la impresión de estar ante una Obra saturada de colores siendo que, en rigor, la paleta cromática está restringida; no hay aquí un amplio espectro ni una gran diversidad de matices; sin embargo el resultado que se obtiene, nos la hace percibir como altamente coloreada. El pintor posee un manejo oficioso de la teoría del color y sabe cuales son las cualidades de la técnica que ocupa. Desde allí nos brinda un festejo jubiloso ante la madre naturaleza.
Eva Magallanes
En junio de 2010, precisamente Eva Magallanes en su blog LA CALA, hizo un entrada dedicada a Santi en la que con su particular forma de ver a los artistas nos acerco al trabajo de este que nos ocupa de forma interesante, como ella -que bien conocemos- siempre hace, con su permiso incluyo en esta entrada la suya, para que nos ayude aun más a entender las obras de Santi Aguin.
SANTI AGUIN: TRABAJO, TÉCNICA Y TALENTO
Auto-retrato (Gouche sobre Cartón)
La productividad de un artista nos habla de la dedicación con la que se entrega a su oficio, de la energía creadora que lo anima, de su afán de búsqueda y aprendizaje y de su gozo en dicho hacer. No hay otro medio para desarrollar y encauzar el talento que la práctica y no hay más camino que el trabajo para depurar la técnica. Me parece que la Obra de Santi Aguin testifica muy bien estas premisas. Se trata de un pintor prolifero que está al acecho de nuevas ideas, que ha cultivado variados procedimientos, dispuesto a la experimentación y abierto al uso de diversos materiales. No por ello teme a las influencias, por el contrario indaga allí sin resquemores. Suele también realizar más de una versión del original que lo motiva, probando métodos y auscultando resultados.
Un creador incasillable en un único estilo, reacio a permanecer en los hallazgos y más proclive a los procesos que a los resultados, sus propuestas transitan por diferentes materiales y procedimientos técnicos:gouache, acuarela, sanguinea, carboncillo, óleo, acrílico, pastel, lápiz, tiza, tinta... investigando a su vez en mixturas y fusiones, acometiendo diferentes soportes tales como papel, cartón, tablero, cartulina, lienzo... y distintas temáticas: figuras humanas, animales -reales e imaginarios-, paisajes, objetos, mandalas... Figurativo o más abstracto, realista, surrealista, más académico o más irreverente; de algún modo intangible, sus obras traspasan lo que yo percibo como partes de su personalidad: inquieto, irónico, ecléctico, vehemente, libre.
Aprovechando la luminosidad y el brillo que caracteriza al gouche, en su auto-retrato Santi Aguin contradice e invierte el sentido de los elementos plásticos: la eventual sombra se transforma en luz fulgurante y dicho esplendor se reconvierte en color y forma. Se trata de una intervención que interrumpe la aparente tendencia realista y la traslación puramente física del retratado, instalando entonces otras significaciones para su imagen y para el acto mismo de auto-retratarse. Los destellos queman la piel generando drásticos contrastes; la imagen parece resolverse en encontrados positivos y negativos de si misma. Los contornos y las siluetas emergidos de esta intromisión en el rostro, terminan imponiéndose; se visibiliza entonces la impronta del feto y del árbol provocándose una alteridad en la percepción de la obra, que nos mueve desde el reconocimiento de una persona en particular a sensaciones universales sobre nuestro origen. La huella del árbol de la vida y del embrión en el semblante, provoca la apertura del Yo hacia la especie.
En este mandril (pastel y tizas o cretas sobre papel), el artista demuestra su virtuosismo para plasmar el rugido y la ira bestial, la traducción luminosa y suave del pelaje, la obtención de un efecto imponente y atronador -formal y semánticamente- con materiales difíciles de domar y con una paleta cromática restringida dentro de la cual la tonalidad rubí-rojiza-rosácea es un imponente signo: carne y sangre, salvaje violencia, hambre. El fondo oscuro realza los contrastes intensificando los grises perlados, los blancos brillantes y el color pasional de la furia en el hocico del animal.
La Pentax (plumilla y aguatinta - técnica de grabado) nos muestra diáfanamente como el autor combina la representación realista de la cámara con la exploración plástica y estética que realiza en la base y que adquiere mayor notoreidad que el objeto mismo, convirtiendo ese espacio neutro o simplemente sostenedor de la imagen, en el personaje abstracto de la obra. Mas, no sólo se consigue crear un plano de fondo más activo y decorativo si no que también se generan connotaciones que inquietan y alteran las significaciones naturales del modelo. Contribuye en ello la mirada aérea que establece un ángulo composicional -precisamente- más fotográfico que pictórico. La mirada queda atrapada por este juego de manchas que convocan a ser descifradas. El plano es trabajado con sutiles volúmenes y profundidades que le dan vida; y es en el establecimiento de esta materia ambigua, media líquida, media sólida, un manchón acuoso y viscoso que se mueve perturbadora, donde la transcripción de lo real da paso a una atmósfera poética e intranquilizante. ¿Es qué la cámara se apoya sobre un gran charco de sangre o sobre una prenda ensangrentada, se trata del plasma de los fotografiados que remueve el ser tecnológico de este aparato otorgándole el sello de lo viviente, o el artista alude a un "fallo técnico" -el derrame de la tinta- en un guiño cómplice con el espectador?. Como en el auto-retrato se consigue aquí, trastornar la imagen y su sentido delicadamente, es decir, sin que los modelos sean violentados en demasía.
En este trabajo realizado a lápiz, podemos apreciar el cáustico humor del artista.
Surreal e hiperreal, lúdico, lúbrico y blasfemo, el seno aparece por el cierre o la bragueta abierta, y allí donde esperaríamos ver un pene se asoma un pezón.
Una acción dadá en tanto reubica a los "objetos" en lo inusual, quebrando el orden de la normalidad, infiriendo un corte en el armónico cosmos, estableciendo una estética en el caos, provocando un extrañamiento que puede agredir o divertir pero que, mediante la verosimilitud lograda por el oficioso manejo del dibujo, se establece irrefutable. Vasto es el flujo de contenidos que puede acarrear esta imagen pervertida/subvertida -una humorada si se quiere- que le entrega al espectador una amplia libertad para sus propios pensamientos, conjeturas y fantasías.
Pinguinadas, óleo sobre papel, entrelaza atractivamente la construcción y la desconstrucción de "lo real". Los pinguinos vienen a ser ejemplos de la dinámica estructural desde la cual se arraiga la apariencia que solemos llamar "realidad"; el pintor se encarga entonces, de aseverar la irrealidad de la misma plasmando el tránsito desde lo ilusorio hasta las formas puras, develando como sucumbe lo accesorio ante la esencia que lo habita. El resultado visual: un plano saturado por los ritmos y secuencias de las partes que van desgajando al todo, colores que van desgranándose de las formas transformándose en armónicas notas, imágenes que nacen y se deshacen en el péndulo perpetuo de lo figurativo y lo abstracto, cuya suma y movimiento sostiene lo existente.
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